Påsken kan få en florist att blomma upp…

…sägs det. Det stämmer i vart fall på mig själv. Årets påskhelg firas utanför Uppsala, och närmare bestämt i Krakow, där påsken har sina mycket bestämda traditioner och en egen estetik, fast förankrad i den polska folkkulturen.

Målade påskägg vittnar starkast om påsktraditionernas folkliga ursprung, och folklore håller på att bli en  kommersiell produkt, kanske som en lekfull motvikt till det överflöd på globaliserade lyxvaror som lurar överallt i de polska storstäderna. Eller också har folklore kommersialiserats just som ett tecken på att allting går att sälja till den hågade…

Dessa målade ägg är gjorda av trä. På de övriga har mönstret virkats runt ett äggskal.

Denna vår råder det äkta vinter i staden. Den gamla stadskärnan är en blandning av gotik, renässans och barock och de imposanta byggnaderna klär i färsk snö, så det är en upplevelse i sig.

Den för årstiden ovanliga mängden snö hade i och för sig kunnat förstöra vårstämningen inne, men så är det inte. Här kan jag i en veckas tid blomma upp och leka med planteringar och konsthantverk medan nya skisser mognar i huvudet för att snart överföras på papper.

”Picasso och Schackspelaren”

För  ganska exakt hundra år sedan, den 17 februari 1913, blev Marcel Duchamps kubistiska målning Nude Descending a Staircase »sensationernas sensation» på USA:s dittills största konstutställning, ”Armory Show” i New York. Det var på flera sätt en brytpunkt; för första gången konfronterades amerikansk publik i en så pass stor omfattning med den moderna europeiska konsten, från Goya och den tidiga impressionismen till franskt kubistiskt måleri, skriver Larry Witham i sin precis utkomna och dryga trehundra sidor långa studie Picasso and the Chess Player. Pablo Picasso, Marcel Duchamp, and the Battle for the Soul of Modern Art (University press of New York, Hannover and London).

Det är en dynamisk och detaljerad studie av de båda konstnärsrivalernas karriärvägar från deras debut på amerikansk mark i och med ”Armory Show” och fram till summeringen av deras eftermäle fram till idag. Den bullrige, hårt arbetande, självsäkre och massproducerande Picassos karriär studeras parallellt med Duchamps tillbakadragna och kringströvande liv, hans mycket sparsamma produktion och hans självironiska syn på sin egen konst. Tidigt i livet övergav Duchamp konstnärskapet för att i stället ägna sitt liv åt schackspel. Ändå är vår tids syn på konstverk (inklusive litteratur) och interpretation starkt influerad av Duchamps påstående att en del av konstverkets mening skapas av betraktaren i själva tolkningsprocessen.

Åsikten att båda har kallats för nittonhundratalets viktigaste konstnärer är för bådas del”historien om hur konstnärer blir till monument och myter”, skriver Witham (s.288). Om Picasso har setts som viktig för nittonhundratalets första hälft, har Duchamp ansetts ha satt sin prägel på åren efter 1960, konkluderar han.

Jag beställde Withams bok redan efter mitt första besök på Moderna museets Picasso kontra Duchamp-utställning He Was Wrong i slutet av augusti. Boken utkom ganska precis till hundraårsdagen av ”Armory Show”.  Att Moderna Museet sedan i höstas visar utställningen He Was Wrong, uppbyggd kring den livslånga rivaliteten mellan Picasso och Duchamp och baserad på museets egna Duchamp- och Picassosamlingar var förstås inte heller ingen slump. Lika rätt i tiden känns den Duchamputställning som i slutet av mars öppnar på Moderna.

Modernas utställning hade dock gjort mig lika nyfiken som besviken; den hade väckt mitt intresse för hur Duchamp respektive Picasso kom att utveckla sina två sinsemellan så olika konstnärsfilosofier, men av den livslånga rivaliteten de båda konstnärerna fanns där enligt mitt tycke inte mycket. Dessutom utgörs utställningen enligt arrangörerna själva snarare av påståenden än av färdiga konstverk, men egentligen tycks det vara precis tvärtom. Besökaren möter många fler konstverk än uttalade konstnärsmanifeston. Detta med reservation för att det inte är möjligt att dra någon skarp gräns mellan en konstnärs programförklaringar och hennes eller hans konst.

Å andra sidan räcker det som visas på utställningen för att om och om igen locka mig dit. Det kanske är något i utställningens stämning – den mörka labyrinten med dess tätt upphängda samling grafik och måleri av Picasso, där verkens heteroerotiska laddning slår som en varm pust mot betraktaren, och med den fotografiska serien A Portrait of a Portait där han själv blir till ett studieobjekt i sin ateljé. Och så ett flertal av Duchamps Readymades, inklusive ett antal skuggspel, samt det av honom skapade alter ego Rose Sélavy, en figur som med sitt lätt ironiska utsuddande av könsgränser och sitt tvetydiga namn (har uttalats både som ”Éros c’est la vie” och ”arroser la vie”) närmast smittar med sitt sätt att strunta i begreppet ”verklighet”. Duchamps könsöverskridande iscensättningar av sig själv är särskilt intressanta med tanke på hans sätt att tala om sin egen konst. Han intar här en position som historiskt sett ofta har förknippats med kvinnliga konstnärer och författare, nämligen att försöka föregripa eventuell kritik genom att förringa både betydelsen av sitt eget arbete och sin begåvning samt att förhålla sig till sin egen konsnärstidentitet med självironi och kritisk distans.

Duchamps Readymades fortsätter att inspirera. Här Micha L. Riesers Fontaine Replica of Marcel Duchamp, Musée Maillol, Paris. (WikiMedia Commons)

Modernas He Was Wrong blev för mig ett preludium till  Withams bok. Förvisso bidrar Witham till att befästa de båda konstnärernas status med formuleringar som just ”the battle for the soul of modern art”, men hans bok är en fascinerande resa genom deras konstnärsliv under ett explosivt århundrade. Det är också en kritisk studie i hur positioner befästes i konstvärlden och i hur yttre omständigheter antingen kan främja eller försvåra ett konstnärskap. Frågan om monument och vändpunkter, liksom den om pionjärer, handlar annars i grunden om vem som har makten att upprätta och befästa en kanon.En litterär- eller konstnärlig epok kännetecknas ju sällan av en enda ’sann’ själ. Den är snarare av naturen polyfon. Det är om denna polyfoni som striderna står, om vem som ska få tala och vem som får hålla tyst av vördnad.

 

Sena möten.

Veckans finaste kväll, kvällens finaste stund. Därute twittrar världen vidare men i min omedelbara närhet tycks allting ha gått ner i varv. Dags att öppna några bokpaket som anlänt under dagen.

I det första (ett tungt och vadderat kuvert): en efterlängtad amerikansk biografi, inköpt hos franska Amazon och expedierad från London. Den återkommer snart här i bloggen.

I det andra (postens platta, gulblå kartong) – Märta Tikkanens Två. Scener ur ett konstnärsäktenskap. Jag läser just  om det mesta av Tikkanen, och jag läser henne annorlunda och långsammare nu, med ökande irritation över att mycket av det som stämde in på kvinnors liv för tjugo år sedan fortfarande stämmer in på vår egen vardag..

I det tredje (ett kompakt plastkuvert, också det vadderat som ett mjukt fågelbo) – Szymborskas Dikter 1945-2002, ett antikvariskt exemplar men i ett närmast orört skick. Vad bokens förra ägare måste ha missat i fall hon eller han aldrig ens öppnade boken och aldrig  hittade fram till ”Löken” eller ”Livet medan ni väntar”. Eller har någon läst dessa dikter så vördnadsfullt att det aldrig lämnade några spår i marginalerna?

Möten med varmt önskade böcker vid dagens slut – ett sätt att ostört få vandra i ens eget inre rum.

En arbetsdag full av böcker avrundas bäst med läsning. Kritikern Margit Abenius vakar över min bok om hennes liv som sakta växer fram, ständigt avbruten av litteraturkritik och vetenskapliga artiklar. (Abenius foto: J. Sundgren, numera på Uppsala universitetsbibliotek).

Att lyssna till allt som inte hörs…

Mitt i en svår och alltför hastigt utlovad artikel om exillitteratur som med snigelfart ringlar sig framåt  hittar jag följande guldkorn på A.A. Milnes vänskapssida på Facebook:

Don’t underestimate the value of Doing Nothing, of just going along, listening to all the things you can’t hear, and not bothering.

– A. A. Milne

Att med ens inre öga se det som ännu inte syns. Djupt under snön har kanske påskliljorna redan fått de första skotten.

Att lyssna till det som ännu inte hörs. I det fördolda finns groende blomlökar och slumrande knoppar som blir så här fina i april.

Februarikylan kan besegras: det är bara att lyssna in och föreställa sig den annalkande våren.

Virginia Woolf i ny belysning.

Slumpen vill att jag snabbt återvänder till Virginia Woolf.

Genom en bekant på Twitter fick jag nyligen länken till The Guardians artikel från den 7 februari om ett hittills aldrig offentliggjort manuskript av Woolf (”Virginia Woolf’s fun side revealed in unseen manuscripts”). Det är systersönerna Quentin och Julian Bells lilla familjetidning, The Charleston Bulletin, där Woolf medverkade med små humorfyllda berättelser om personerna i familjens närhet. The British Library avser att ge ut manuskriptet i sommar.

Som kuratorn Helen Melody från British Library påpekar för The Guardian visar Woolfs bidrag till familjetidningen på en lättsam och glad sida av henne, något som sällan har kommit fram i biografier och minnesteckningar över författaren till The Waves och To the Lighthouse.

Föga förvånande sägs familjen Bell ha betraktat denna familjetidning som ett slags fortsättning på Hyde Park Gate News, familjen Stephens hembulletin. Denna skapades och gavs ut av barnen Virginia, Vanessa och Thoby Stephens. Och visst, för den som är välbekant med Hyde Park Gate News, är likheterna mellan denna och Bells The Charleston Bulletin uppenbara. I båda finns liknande lätt karrikerande tuschteckningar över personer ur familjens dagliga liv, från familjemedlemmar och umgänge till tjänstefolk. Om The Charleston Bulletin enligt Melody visar Woolfs humoristiska ådra, måste den ha haft just Hyde Park Gate News som sin förebild. Apropå innehållet i den senare har Hermione Lee skrivit: ”the mixture of letters, stories, advice columns, answers to questions, and reports on family events, is parodic and satirical.” Och om syskonen Virginia, Vanessa och Thobys arbete med den lilla bulletinen skriver Lee vidare: ”[t]he children have a precocious mastery of diverse techniques: pastiche, slapstick, comedy, satire, euphemism, hyperbole, whimsy and suspense. Elaborate language is often used to debunk pomposity […]”. (Sid. viii respektive xvii i Lees förord till Hyde Park Gate News. The Stephen Family Newspaper. Virginia Woolf, Vanessa Bell with Toby Stephen, red. Gill Lowe, London 2005).

I artikeln om de ännu opublicerade manuskripten poängterar The British Library den lätt okynniga och busiga humor som kommer fram i Virginia Woolfs och systersönernas små notiser. Inte heller detta låter dock helt nytt, även om Woolfs humor av beskrivningen att döma var lättsammare och mer godmodig tillsammans med syskonbarnen. I levnadsteckningen Virginia Woolf minns Nigel Nicholson sin barndoms besök i Bloomsburykretsens salong. Enligt hans beskrivning tävlade kretsens medlemmar i humor och Virginia Woolf ska ha lett denna inte alltid hänsynsfulla tävlan. ”Bloomsbury krävde att man fångade bollen när den kastades mot en och missade man blev man inte inviterad fler gånger och ville inte heller bli det”, konstaterar han och tillägger i övrigt att kretsen tveklöst ”var sluten och skrämmande för utomstående”. (Sid. 43 respektive 42, översättning: Rebecca Alsberg, Stockholm 2003).

Det legendariska Charleston Farmhouse nära Lewes, East Sussex, Storbritanien. Tidigare hem av Vanessa och Clive Bell och konstnären Duncan Grant. Foto 2006 (WikiMedia Commons)

Återstår att vänta tills The Charleston Bulletin ser dagens ljus. Historien om det bohemiska och vackra men också stökiga och ibland kärva livet på Charleston där många av Bloomsburygruppens medlemmar vistades i omgångar kommer därmed förhoppningsvis att belysas ur nya synvinklar.

 

Lady Ottoline Morrell (1873-1938). Amatörfoto från 1922 av några personer ur Charlestons umgängeskrets. Från vänster: Jean de Menasce; Vanessa Bell (née Stephen); Duncan Grant and Eric Siepmann (WikiMedia Commons)

 

 

 

 

 

Vardagslivet som ett flöde, skrivande som en del av vardagen.

I en krönika i Dagens Nyheter den 21 januari konstaterade Maria Schottenius: ”Mitt liv består till åttio procent av fiktion. Så kan det bli när det mesta av livspusslet är lagt, och man dessutom är litteraturkritiker och fyller gliporna som blir över från läsning med film, teater, musik. Jag tillhör inte verklighetens folk, om man säger så, utan lever en stor del av min tid i idéer och fantasier, egna och andras.” Krönikan handlade i övrigt om politik och visioner, men jag fastnade för just detta citat eftersom det både speglar min egen vardag och tål att sägas emot.

Också mitt liv som litteraturvetare och litteraturkritiker består till en mycket stor del av fiktion där de glipor som utgör de lediga stunderna fylls med ännu mer läsning, en del film och stora mängder musik. Musiken, och särskild den klassiska, hörs i övrigt nästan hela tiden i bakgrunden till det som långsamt växer fram på dataskärmen. Möten med filmkonsten blir en naturlig fortsättning på läsningen; båda innebär berättelser som bär mig med sig, omsluter mig och ger tillgång till imaginära världar. Teatern är däremot ett helt eget kapitel; så länge jag bär inom mig en föreställning om teaterkonstens renande makt, det antiken kallade för catharsis, behåller jag känslan av att jag under ett teaterbesök deltar i en både känslomässig och intellektuell gruppritual.

Själv tycker jag annars att skrivande humanister som formulerar frågor om livet, samhälle, människor och etiska frågor i allra högsta grad tillhör ’verklighetens folk’. Det som jag dock allra minst kan känna igen mig i är det numera vedertagna begreppet ”livspusslet.” Det som begreppet är tänkt att betyda– det svåra i att förena familjeliv och känsloliv med yrkesarbete, fritid och eget självförverkligande – är helt enkelt livet självt vars essens är ömsesidighet, åtaganden, andras och våra egna förväntningar, planering av den tid vi förfogar över och allting som vi inte kan planera och styra. Eller med andra ord, för att travestera John Lennons kända talesätt, ”Livet är det som pågår medan vi tror att vi först måste pussla ihop det.”

I begreppet livspusslet ryms tanken på att varje dag av denna existens blir en uppgift att lägga och att existensen går i kras om någon enstaka bit av tusen inte hamnar där den ska – och därmed även föreställningen om att alla existensens tusen miljoner bitar har en på förhand given plats i helheten. Att leva blir därmed ett prov man måste bestå enligt vissa på förhand uppsatta kriterier.

Personligen vägrar jag se mitt liv och allt som det består av som ett pussel. På min privata lista över vår tids tankeklichéer hamnar därför ”livspusslet” på första plats, tätt följt av det alltmer slentrianmässigt använda begreppet ”nätverk”.

Så vad gör en människa vars yrkesliv består av att läsa och skriva om litteratur, men som ser sitt arbete som en naturlig del av livet självt, och inte som en bit i ett stort pussel? Svar; hon sitter och skriver, hon står och skriver, eller går runt och skriver – när hon väl skriver.  Och när hon inte skriver eller läser eller tänker på det hon har läst vet hon att en pågående text håller på och jäser där någonstans i bakhuvudet, att meningar och textstycken rör sig i ett slags ebb och flod, i perfekt samexistens med allt annat som händer och levs för stunden. Det som händer utanför arbetsrummet är nämligen organiskt förbundet med arbetet. Själv skriver jag inte lätt, snabbt och sjungande, utan påtagligt ofta långsamt, i små portioner och med tvekan. Jag suckar över alla referenser som måste kollas upp och kollas om igen, över det där brevet i ett avlägset arkiv som aldrig blev riktigt genomläst, över samtal med samfund, bibliotek och privatpersoner som ännu inte blivit av eller dem som finns på för stunden försvunna papperslappar.

Jag drar mig till minnes Svenska Akademiens högtidssammanträde i höstas där litteraturprofessorn och akademiledamoten Anders Olsson bland annat talade om skrivandet som en långsam process som rymmer både tvekan, ånger och eftertanke. Vad som än har sagts om inspirationens betydelse visar sig ett färdigt verk nästan alltid i första hand vara ett resultat av ett långsamt, mödosamt och oglamoröst skriv- och omläsningsarbete, menade han. Många väljer att låta en text vila och mogna till sig i åratal innan den fullbordas och offentliggörs. Olsson nämnde även Vergilius skoningslöst kritiska omläsningar av sina egna verk, där mycket raderades allt eftersom poeten skrev vidare. Att läsa om sig själv är lika väsentligt för skrivandet som att läsa om andras verk, konstaterade Olsson. Kanske behövs denna långsamhet för att kunna värna om det skrivna ordet i tider av en allt snabbare och alltmer spontan tankeöverföring, menade han.

Hans tankar var en lisa för själen för mig och kanske för många andra som i likhet med mig ser sitt eget skrivande som en i all sin anspråkslöshet livsnödvändig sysselsättning. Själv tillhör jag inte skribenter som storproducerar på språng mellan annat arbete och sällskapliga nöjen eller mitt emellan ett möte och en lång tråd på Facebook eller Twitter. Att få arbeta i avskildhet är för mig ett absolut villkor för hundraprocentig koncentration, och i förlängningen för att kunna fånga fritt och kaotiskt svävande meningsfragment och låta dem bilda en avgränsad och meningsfull helhet. Samma gäller i övrigt för arbete med bilder, alla dessa skarpa och tydliga skisser som uppstår i tanken men som plötsligt kan streta emot när de ska materialiseras på papper.

Bland bokhögarna på mitt skrivbord finns en till det yttre oansenlig bok som ofta ligger uppslagen, nämligen Virginia Woolfs författardagbok. Tisdagen den 11 maj 1920 skrev hon några tänkvärda ord om skrivprocessen:

”It is worth mentioning, for future reference, that the creative power which bubbles so pleasantly in beginning a new book quiets down after a time, and one goes on more steadily. Doubts creep in. Then one becomes resigned. Determination not to give in, and the sense of an impending shape keep one at it more than anything. I’m a little anxious. How am I to bring off this conception? Directly one gets to work one is like a person walking, who has seen the country stretching out before. I want to write nothing in this book that I don’t enjoy writing. Yet writing is always difficult.”

 

För henne var skrivandet en långsam process men samtidigt en självklar del av livet. Virginia Woolf fotograferad av George Charles Beresford (WikiMedia Commons)

År 1954 blev dagboken A Writer’s Diary, Being Extracts from the Diary of Virginia Woolf, under redaktion av maken Leonard Woolf och med omslaget ritat av systern Vanessa Bell. Första utgåvan från The Hogarth Press bär förlagets karaktäristiska vargstempel på titelbladet. En alltid lika aktuell bok om skrivandets komplicerade natur.

Mer biografi…

Apropå franska kvinnor: nu flyr jag tillbaka till Stanley Barons ständigt efterfrågade Sonia Delaunay. The Life of an Artist (Thames&Hudson 1995)…Det är en både vacker och dynamisk biografi över Sonia Delaunay och de olika perioderna i hennes konst.

Biografier i egen festival.

Förra veckans nummer av franska Le Point (24.1.2013) ägnade ett uppslag åt Biografifestivalen i Nîmes som i år var inne på sin tolfte omgång. För ja, biografi som genre har i Frankrike fått ett eget kulturevenemang. Artikelns titel, ”Ovanliga liv har sitt pris”, ”Les vies d’exception ont leur prix” har här en dubbel betydelse. Artikeln ägnas nämligen åt några av de både hyllade och svåra konstnärsliv som har blivit föremål för några av årets prisade biografier: André Gide (1869-1951), Guy de Maupassant (1850-1893), Chateaubriand (1768-1848) samt regissören Jean Renoir (1894-1979).

Festivalens biografipris gick i år till Frank Lestringants biografi över Nobelpristagaren André Gide , André Gide, l’inquiéteur (Flammarion). Recensionen av den två band tjocka biografin à 1166 respektive 1524 sidor (sic!) sätter fingret på att Gides författarliv var fullt av tvära ideologiska kast och sinsemellan till synes oförenliga etiska program, av skandaler och provokationer. Det har lett till att han som författare har oroat och provocerat. Också hans postuma rykte präglas av stor ambivalens, konstaterar biografins recensent Laurent Theis.

André Gide, en oljemålning från 1924 av Paul Albert Laurens (1870-1934), Musée d’Orsay (WikiMedia Commons)

Just ambivalens blandat med ointressets diskreta gäspning har alltid präglat mitt förhållande till Gide. Med desto större glädje läser jag om Mario Johnstons biografi Guy de Maupassant (Fayard, 1336 s.) en enligt recensenten Marie-Françoise Leclère dynamisk teckning av ett författarliv fyllt av olika tjänstemannaanställningar för brödfödan, av pikareska äventyr, resor, kärleksskandaler, fysiska prestationer och intressanta bekantskaper (som exempelvis Maupassants författarmentor Flaubert). Johnstons bok hamnar omedelbart på min önskelista. Kanske för att jag fortfarande kan minnas både den sötaktiga doften och det karakteristiska prasslet av min tummade pocketutgåva av Boule-de-suif (1880, på svenska som ”Fettpärlan” i Sigfrid Siwertz översättning från 1927) – liksom den sommaren då jag läste den för första gången, lätt förtvivlad över Maupassants för mig då alltför blommiga berättarstil.

Guy de Maupassant, en känd fotografi av Félix Nadar från 1888 (VikiMedia Commons)

Det tycks som att både Jean-Claude Berchets Chateaubriand (Gallimard, 1056 s.) och Pascal Mérigeaus Jean Renoir (Flammarion, 1104 s.) på var sitt sätt tecknar både den respektive konstnären och hans historiska samtid. Enligt recensenten L.T. har François-René de Chateaubriand porträtterats som ett författarskap som bedrevs i såväl ett historiskt som ideologiskt och geografiskt vägskäl.

”Porträtt av Chateaubriand mediterande vid Roms ruiner”, en oljemålning från 1808 av Anne-Louis de Girodet-Trioson (1767-1824), The Yorck Project (genom WikiMedia Commons)

I Jean Renoir sägs Mérigeau i sin tur ha fångat ett stycke fransk historia. Berchets bild av Renoir, mannen som myntade uttrycket »var och en har sina skäl» och som flörtade med fascismen i Italien respektive med främlingsfientlighet på fransk mark är komplex och knappast förskönande, skriver bokens recensent François-Guillaume Lorrain.

”Jean Renoir tecknande”. Jean Renoir porträtterad av fadern Pierre-Auguste Renoir 1901. Virginia Museum of Fine Arts (WikiMedia Commons)

Längden på alla dessa biografier är slående, men franska författare tycks vara ett pratsamt folk.

Något saknas emellertid i rapporten från Nîmes. Festivalen har enligt artikelförfattarna ”hållits de män till ära som har lämnat avtryck på det tjugonde seklet”.

Jag tolkar det som att de många franska kvinnor som gjort detsamma vid det här laget är fullständigt utforskade, varför festivalen nu enbart kan ägnas åt män. För det är väl inte så att den enkönade litteraturhistorieskrivningen på vissa håll envetet hålls levande?

P.S. I det fullspäckade festivalprogrammet hittar jag faktiskt några få böcker om kända mäns kärleksliv där kvinnorna i deras liv omnämns, samt hela fyra kvinnonamn som ägnats egna böcker: förutom biografiska böcker om Marilyn Monroe, tydligen porträtterad som tjugoåring, respektive Ava Gardner, av titeln av döma skildrad som en kvinna som älskade män, har en skildring av Giacomettis favoritmodell presenterats. Dessutom ägnades ett seminarium åt boken ”Beauvoir in Love”. Simone de Beauvoirs privatliv verkar vara av fortsatt intresse. Återstår att hoppas att det inte överskuggar hennes betydelse som filosof och författare.

En vackert gjord kliché: Enid Blytons liv som film.

Kvinnliga författares verk har historiskt sett alltför ofta tolkats utifrån deras privatliv. Och i privatlivet sökte man efter detaljer som skulle förklara varför de skrev som de gjorde. Ett tankemönster som feministisk forskning i årtionden har försökt punktera, men som dröjer sig kvar. En kuvad dotter, en olycklig hustru, en dålig mor. Känslokall eller tvärtom besatt av lust. Lungsjuk, halt, ofrivilligt barnlös, manisk eller deprimerad. Naturligtvis torde författare i allmänhet ta inspiration ur vardagslivet, och inte sällan ur omvälvande händelser i sitt eget liv. Kvinnliga författare har dessutom ofta gjort det privata politiskt i strävan att föra upp könsfrågor på agendan. Det innebär dock inte att man får läsa in författarens personlighet i verket. Trots det kan än idag en kvinnlig författares privatliv överskugga hennes arbete när historien om hennes författarliv ska skrivas.

”OldThatch”, Buckinghamshire, England, en gång i Blytons ägo. Bild: MilborneOne (WikiMedia Commons)

Den sextonde januari visade SVT1 reprisen på den brittiska filmen Enid, en dramatisering av Enid Blytons liv, med Helena Bonham Carter i huvudrollen. Jag hoppades därför på att få en närmare bild av den lika berömda som konsekvent nedskrivna författaren till Fem-böckerna och den Pinocchio-liknande karaktären Noddy.

Inte för att jag är någon fantast; själv gick jag aldrig igenom någon Blyton-feber. Bortsett från några Fem-berättelser på film fick hon aldrig någon chans hos mig mot Frances Hodgson Burnett, Lucy Maud Montgomery, Edith Unnerstad, Astrid Lindgren, Tove Jansson, Babbis Friis Baastad, Mark Twain eller James Fenimore Cooper.

Som lärare på en universitetskurs i barn- och ungdomslitteratur hade jag dock Blyton som ett stående inslag på litteraturlistan. Lågt rankad av kritiken och länge negligerad av BBC har hon trots allt sedan sin debut varit en konstant läsarsuccé. Idag, fyrtiofyra år efter hennes död år 1968 och efter en viss nödvändig modernisering av innehållet uppnår hennes böcker fortfarande skyhöga upplagor.

Helena Bonham Carter är suggestiv som Blyton. Riktigt gripande, om än gestaltad med små medel, blir Blytons sökande efter bekräftelse och hennes emotionella kyla. Så även hennes väg in i demenssjukdomen i slutet av filmen och hennes sista försök att bemöta det förtal och den förakt som drabbar henne som massproducerande författare.

Till det yttre är Enid i sin helhet en välgjord dramatisering som till stor del tilltalar med sin visuella skönhet. Den karaktäristiskt varmbruna färgsättning och den lätta kornighet som så ofta vilar över brittiskt trettiotal på film ger den rätta känslan (få kan så äkta som britterna gestalta europeiskt trettio- och fyrtiotal i filmkonsten; tänkt Gosford Park, Gathering Storm, Brideshead Revisited eller Colditz, och nu senast Spies of Warsaw).

Någonstans mitt i filmen inser jag dock att berättelsen om Blytons författarliv tyvärr inte är mer än just den klassiska kliché som ofta drabbar kvinnliga författare. Författaren och hennes verk ses som oskiljaktiga – hennes inspiration kommer från det egna livet och dess mer traumatiska stunder. Hennes skrivande tolkas gärna som terapi och bekännelse.

Vi ska förstå att det egentligen är Blytons trassliga barndom, hennes minnen av faderns svek och hennes dåliga relation till modern som i vuxenlivet får henne att fly till barns fantasivärld och att ständigt söka en egen ”hemlig ö”. Hon förblir på sätt och vis ett slags evigt barn och dessutom är hon känslokall, egoistisk och stundom helt hänsynslös gentemot både maken Hugh Pollock och de två döttrarna Gillian och Imogen. De barnkalas som hon ger för sina små beundrare medan hennes egna barn får hålla sig till barnkammaren förstärker bilden av en infantil vuxen som på småbarns vis gillar att göra skojiga ljud vid maten och slicka skeden. Under de dryga trettio år som hade förflutit sedan hon lämnade föräldrahemmet och fram tills hon åter måste möta sitt förflutna har hon aldrig haft kontakt med vare sig modern eller småsyskonen. Svaret kan anas mellan raderna: hon hade både ett moderskomplex och allmänt svårt för nära relationer.

Så nu vet vi det: Blyton var en mycket komplex person (men vem är inte det?). Denna bild verkar bygga på memoarerna av Hugh Pollocks andra fru Ida Crowe, tillika på dottern Imogene Smallwoods kritiska bild av modern i självbiografin A Childhood at Green Hedges från 1989. Gillian Blyton ska ha gett en mer positiv bild av modern i förordet till systerns bok.

Är allt detta av någon vikt? I gengäld ger filmen ingen förklaring till hennes popularitet bland unga läsare. Inte heller framgår det att hon som kvinna placerade sig i en traditionellt mansdominerad genre såsom äventyrsberättelser och detektivhistorier. Jag är övertygad om att om Blyton någonsin hade önskat att skriva vilda västern-böcker hade de säkert sålt som smör…

Enid lämnade mig med många frågor. Vid tillfälle får jag nog ge mig i kast med Barbara Stoneys senast år 2006 uppdaterade Enid Blyton: The Biography (ursprungligen från 1974) i hopp om att få veta ur Blyton hittade den formel som gör att hon än i dag tilltalar unga läsare. I mitt eget barns fantasivärld samsas Noddy framgångsrikt med bland annat Lilla Anna, Mamma Mu och Kråkan, Dr. Brumm och Petsson – alltså det som räknas till kvalitetslitteratur för barn. Blyton må räknas som lågkvalitetsförfattare, men det gör hennes succé desto mer intressant.

Noddy har funnit sin plats i mitt barns fantasivärld…

När verkligheten känns som fiktion.

Ursäkta en spontan och kanske lätt vanvördig association, men dagens tågolycka i Saltsjöbaden har något tragikomiskt över sig. Historien om städerskan som på småtimmarna råkade få ett tåg i rullning och kraschade in i ett flerfamiljshus är som tagen ur Dr. Brumm fährt Zug (”Dr. Brumm åker tåg”) av den tyske barnboksförfattaren och illustratören Daniel Napp.

Björnen Dr. Brumm drömmer om att bli en riktig tågförare. Tillsammans med sin vän, den lilla guldfisken kallad Kaskelotten (!) som alltid följer med i sitt akvarium, hittar han ett skrotat lok i en öde tunnel. Helt oväntat blir leken allvar när Dr. Brumm råkar få igång loket och sedan inte vet hur han ska bromsa. Han och Kaskelotten åker genom det vackra landskapet tills en riktig fara uppenbarar sig i form av en söndervittrad och för länge sedan avstängd bro. Dr. Brumms bekant, den elaka vesslan kallad Truten, slår larm om att tåget är på väg rakt mot bron. Kaskelotten tar över styret medan Dr. Brumm cyklar förbli tåget och i sista sekunden lyckas växla. Loket når aldrig fram till bron… men i stället kör det med full fart in i Trutens hönshus. Ingen blir skadad även om hönorna blir rejält chockade.

Dr. Brumm återvänder till sitt leksakståg – men han kommer snart fram till att han mycket hellre vill bli kosmonaut. Om inte annars så för att slippa hjälpa Truten med att röja undan det kraschade loket.

Boken ingår i Napps serie om den sympatiske men inte särskilt kloke Dr. Brumms triviala vardagsolyckor. I familjen räknar vi dem till stora favoriter; den tyska textens originaldialoger är lika tacksamma att animera som Jujja Wieslanders samtal mellan Mamma Mu och Kråkan. Såväl handlingen som Napps skickliga illustrationer genomsyras av en finurlig humor som kännetecknar barnlitteratur av hög klass. Personligen söker jag ofta tröst hos bra barnboksförfattare, särskilt hos dem som tar till denna slags surrealistiska humor för att kunna hantera tragiska händelser, sorg eller helt enkelt något som inte kan göras ogjort.

Besök gärna Daniel Napps värld på www.daniel-napp.de !

På Amazon kan du dessutom få en liten förhandsvisning av Dr. Brumm fährt Zug, (Thienemann 2010): http://www.amazon.co.uk/Dr-Brumm-f%C3%A4hrt-Daniel-Napp/dp/3522436520/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1358279011&sr=8-1